DCU

Hoy te voy a hablar del DCU, sabes qué es? Pues las siglas significan “Diseño Centrado en el Usuario”, y esto es como un enfoque de diseño cuyo proceso está dirigido por información sobre las personas que van a hacer uso del producto. El DCU es un proceso en el que el usuario es quien dirige las decisiones de diseño y los objetivos que pretende satisfacer el producto, y donde la usabilidad del diseño la evalúan repetitivamente y la mejoran.

En los 50’s pensaban que el diseño de productos respondía a un proceso de investigación de antropometría, ergonomía, arquitectura o biomecánica. Pero no es así, déjame que te explique.

Algunos diseñadores y arquitectos fueron influenciados por la arquitectura y la ingeniera de la época y empezaron a aportar ideas de diseños para estilizar productos, y para dar soluciones innovadoras que derivaron adaptaciones tecnológicas para las personas, es decir, para un usuario.

El enfoque del DCU asegura un producto con la función adecuada a un cliente. El objetivo es ofrecer respuestas a preguntas que me imagino que ya te has preguntado antes de crear algo, o incluso, antes de comprar algo, como ¿quién usará este objeto?, ¿qué es lo que va a hacer con él? ó ¿qué información necesitará para alcanzar sus objetivos?.

Por si no has entendido, antes de que empezamos a crear algo debemos poner al usuario, es decir, a la persona para quien nosotros queremos crear el artículo, en el centro. Un ejemplo, cuando tu mejor amigo cumple años y le quieres regalar algo vas y buscas algo que a él le guste, o no? Porque no le vas a comprar algo que te guste a ti pero sabes que a él no le gusta, siempre le compras algo que sabes que usara, quizá no sepas para qué, pero sabes que lo usara, entonces lo mismo pasa al momento de diseñar, y es esto a lo que se refiere el DCU, todo va a girar en torno al usuario.

No sé si tú te acuerdas de los teléfonos de antes, de los primeritos, a pues, te has fijado que el que tu tienes en la casa no es igual verdad? El diseño es diferente y es mas cómodo, esto es porque empezaron a diseñar los siguientes teléfonos según las necesidades del usuario, ahora ya no se te enreda ningún cable cuando hablas, porque el diseñador pensó en lo que tu ibas a necesitar, ahora son inalámbricos entonces puedes ir de un lado a otro cuando hablas. Pero déjame que te enseñe uno de los que quizá tu abuelita tenga de recuerdo, o quizá aún lo usa.

Ves a lo que me refiero? Todo diseño dependerá siempre del usuario.

Revolución Industrial

Este día te voy a hablar de la revolución industria, sabes que paso en este tiempo? Aquí cambiaron todo, pasaron de hacer cosas artesanales y las empezaron a hacer en masa. Déjame que te explique ya que esto trajo muchos cambios, como positivos y negativos.

Antes quiero que sepas que lo industrial hace referencia a los sistemas de producción. Entonces fue en este tiempo en que se inició la fabricación en serie, se creó la locomotora, los libros (ya que surgió la imprenta), paso la separación de la mano de obra y los procesos y tantas maquinas que no te imaginas.

Esta revolución se dio en el siglo XVIII en Inglaterra, al mismo tiempo que se estaba dando la 1ra Guerra Mundial, la que acabó con la Europa que conocimos. Mucha gente se molestaron por esta revolución, más los arquitectos, porque los ingenieros empezaban a construir y dejaban a los arquitectos de lado. Pero no solo los arquitectos claro, como te dije antes esta revolución trajo cambios negativos, como lo fueron la pobreza, contaminaciones, enfermedades, explotaciones, les prohibían sus derechos y muchos otros cambios que ni te imaginas.

En esta revolución el vidrio y el hierro fueron como el fuerte en las construcciones, como en el Crystal Palace, lo has oído antes? Si no lo habías oído tranquilo que te lo voy a contar.

El príncipe Alberto se dio cuenta de todo lo que estaba pasando con la industrialización, entonces en 1850 se le ocurrió la idea de hacer una exhibición internacional con las grandes maquinas que habían creado en diferentes países. La quiso llamar  “The grand exhibition of the Works of industry” entonces el 3 de enero de 1850 hizo una junta para invitar a la gente a un concurso en el que tenían que diseñar el palacio y el mejor diseño ganaría, claro.  

Ni te has de imaginar cuanta gente participó en este concurso. Pues la verdad yo tampoco tengo un número exacto, pero sí sé que eran más de 245 diseños y claro solo uno quedó. El diseño ganador fue el del Arq. Joseph Paxton.

Paxton trabajaba con invernaderos y en el forjamiento en hierro él dijo que la fabricación en serie era la clave, entonces él pensó en hacer paneles modulares y estuvo pendiente de la construcción del palacio. Te lo enseño en una foto.

Podes creer que en mayo de 1851 ya estaba el palacio listo para la exposición? Yo sigo sin creérmelo.

La exhibición duro varios meses y el palacio años, pero en 1936 se quemó por una falla y los vidrios explotaron, pero fue reconstruido y ahora podes ir a Inglaterra y verlo, la réplica claro. 

ULM

Hoy te voy a hablar de la escuela de ULM, otra escuela súper interesante, así que te empezare a contar de esta escuela, pero antes, sabes que esta escuela se consideró como la heredera de la Bauhaus? La que te conté en la entrada pasada.

Empecemos, esta escuela se fundó en 1953 y la cerraron en 1968, fue una escuela universitaria que se encontraba en Ulm, Alemania, que se dedicó a la enseñanza, la investigación y el desarrollo en el campo del diseño.

Esta escuela se destacó por la integración del proceso de diseño al proceso de industrialización y por dotar de carácter metodológico el proceso de creación de los objetos.

La ULM logro ser reconocida internacional bien rápido, ya que durante su funcionamiento, investigaron y pusieron en práctica nuevos enfoques en el diseño como Comunicación visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática y Cinematografía.

Te preguntas quienes la fundaron? Pues sus fundadores fueron Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill. Aunque los principales directores fueron Max Bill y Tomás Maldonado.

El 3 de agosto de 1953 comenzó a funcionar la escuela, en un edificio de la escuela Secundaria Pública de Ulm, con una planta docente que la integaba Hans Gugelot, Otl Aicher, Tomás Maldonado, Friedrich Vondemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.

El ex alumno de la escuela de Bauhaus, Max Bill, fue el encargado de diseñar el edificio de la ULM que se inauguró el 2 de octubre de 1955. Bill, promovía una enseñanza basada en la continuación del modelo expresionista y del funcionalismo de la Bauhaus, que basaba sus principios en el modelo del movimiento Arts and Crafts. Max Bill renunció en 1956 debido a los cambios que se estaban dando en la escuela, en 1957 Bill dejó a Tomás Maldonado ocupando su lugar.

Tomás Maldonado, argentino, pintor, diseñador industrial y teórico, ahora lo reconocemos por su pensamiento y práctica del diseño. Él decía “el diseño no es un arte y el diseñador por lo tanto no es un artista.” A partir de esto la filosofía del diseño de la escuela cambió.

Max Bill propuso una ideología para la escuela que se basaba en 3 puntos:

·         La utilidad unida a la funcionalidad en relación con los requisitos ergonómicos.

·         La armonía entre el diseño y la nueva tecnología industrial.

·         El desarrollo de la imagen total de la empresa.

Esta era una enseñanza que la basaba en el modelo expresionista de la Bauhaus. Tenían un plan de estudios de 4 años, el primer año era como un curso básico, luego podías elegir una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción e información y cinematografía. Y ya en el último año te dedicabas a hacer la tesis de grado.

Mientras la ULM funcionaba surgieron varios productos que consideraron como un verdadero ícono del diseño. Déjame que te muestre algunos de estos productos, que te cuento eran varios, pero solo te enseñare algunos.

Reloj de Pared

Diseñado por Max Bill

Banco de escritorio 1955

Max Bill

Walkie Talkies. Hans Gugelot (docente)

estudiantes Kerstin Lindberg-Bartimae (gris) y Kai Ehiert (rojo).

Bauhaus

Este día te quiero contar acerca de una escuela que va a llamar mucho tu interés, bueno el mío si lo llamó, así que te quiero contar un poco. Presta atención que sé que igual que yo, después de saber de la escuela vas a quedar con ganas de ir, aunque claro, no podremos.

La escuela se llama Bauhaus, le pusieron así ya que  “Bau” significa construcción y “Haus” significa casa. Irónicamente la escuela, a pesar de su nombre y que fue un arquitecto quien la fundó, no tuvo un apartamento de arquitectura en sus primeros años. Raro no?

Esta escuela tuvo 3 fases, la primera (1919-1924) coincide con el periodo en que la Escuela Bauhaus tiene sede en Weimar. La segunda fase se desarrolla cuando se mueve a Dessau (1925-1928) y la tercera (1928-1930) fase fue cuando Hans Meyer empezó a dirigir la escuela. Déjame que te cuente como se desarrolló todo esto.

Esta escuela se fundó en el año 1919, en la ciudad de Weimar, Alemania, por el arquitecto Alemán Walter Gropius (1883-1969). La escuela describe un gremio artesanal utópico que combina la arquitectura, la escultura y la pintura en una sola expresión creativa.

En 1925, la Bauhaus se movió de Weimar a Dessau, donde Gropius diseñó un nuevo edificio para poner la escuela. Este edificio contenía muchas características que después se convirtieron en distintivos de la arquitectura modernista, incluyendo la construcción de estructura de acero, un muro de vidrio, y un plano en el cual Gropius distribuyó estudio, aula y espacio administrativo para lograr la máxima eficiencia y la lógica espacial.

Gropius dejó el cargo de director de la Bauhaus en 1928, fue aquí donde el arquitecto Hannes Meyer (1889-1954) inició su cargo como director. Meyer mantuvo el énfasis en el diseño de producción en masas y elimino partes del plan de estudios que sentía que eran demasiado formales. También hizo hincapié en la función social de la arquitectura y el diseño, lo que favorece la preocupación por el bien público y no privado de lujo.

En 1930, Meyer renunció al cargo de director de la escuela por culpa del gobierno, el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, fue quien lo sustituyó. Mies también configuró el plan de estudios pero dándole mayor énfasis en el área de arquitectura. Lily Reich (1885-1947), quien colaboró ​​con Mies, asumió el control del nuevo departamento de diseño de interiores. Otros departamentos incluían tejido, fotografía, bellas artes, y construcción.

Debido a que la situación política cada vez era más inestable en Alemania, y la situación financiera de la Bauhaus, hizo que Mies reubicara la escuela en Berlín en 1930, la cual no le funcionó y tuvo que cerrar la Bauhaus en el año 1933.

Durante los años peligrosos de la Segunda Guerra Mundial, muchas de las figuras clave de la Bauhaus emigraron a Estados Unidos, donde su trabajo y sus filosofías de enseñanza influenciaron a generaciones de jóvenes arquitectos y diseñadores. Marcel Breuer y Joseph Albers impartian en la Universidad de Yale, Walter Gropius fue a Harvard, y Moholy-Nagy estableció la Nueva Bauhaus en Chicago en 1937.

 

Neoclásico

Este día te voy a hablar del Neoclásico, así que sentate y ponete cómodo. Para empezar quería decirte que en este tiempo regresaron bastantes características de Roma y Grecia, te acordas verdad? Pues en este tiempo nace la gran idea del Grand Tour que era cuando viajaban a Grecia y Roma a aprender técnicas y pinturas que al final del día eran ideas para tomar a sus arquitectos para hacer sus obras en este nuevo estilo, por eso sus obras se parecen bastante a las de Grecia y Roma. Este estilo tuvo mayor auge en Francia, París e Inglaterra en el siglo XVIII. En este estilo predominan los pórticos y los pasillos.

Has escuchado hablar de AndreaPalladio alguna vez? Pues él era un importante arquitecto Italiano. Se le considera el arquitecto que tal vez, mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento. Sus obras influyeron tanto en esta época del Neoclasicismo. En lo personal, me gustan bastante sus obras arquitectónicas, en especial una que te quiero enseñar.

 

Villa Rotonda

Andrea Palladio

Ahora déjame contarte un poco del mobiliario de esta época. Al igual que en la arquitectura, volvieron a lo clásico. Lograron crear muebles con diseños más simples, ergonómicos y por supuesto funcionales. Dejame mencionarte los diseñadores más destacados. Tenemos a Thomas Chippandale, Robert Adam, George Hepplewhite y Tomas Sheraton.

Como algunas de las características que tenían estos muebles es que eran con motivos planos, con un  mínimo relieve, tenían leves dibujos, paneles con revestimiento, arcos angulares, arcos de medio punto, Robert Adam incorpora tapices en el respaldo, hace bancas de un solo cuerpo y las tapiza. Thomas Chippandale trabaja muy similar a George Hepplewhite con sillas chinas y tocadores. El mobiliario de esta época presenta formas más limpias y simétricas.

Como en las entradas anteriores, te hice unos ejemplos de cómo eran los muebles de ellos.

Hepplewhite chair

Thomas Sheraton

Thomas Chippendale

Robert Adams

Te dejo un video para que comprendas mas de este estilo.

Rococó

 

Como siempre te vengo a hablar de algo nuevo, este día te voy a hablar acerca del estilo rococó. Dale, sentate y presta atención.

En el rococó acostumbraban a decorar tanto pero tanto que ni te imaginas, se identificaban por las conchas, bueno no me refiero a que ese es su símbolo sino que a sus muebles, obras y arquitectura les colocaban siempre conchas. Ornamentaban demasiado pero las conchas siempre se echaban de ver. Pero esto era porque el nombre del estilo viene de rocaille que significa piedra y coquille que significa concha, entonces trataban de ponerle conchas a todo lo referente a su estilo. Los pisos eran de mármol y seguian utilizando columnas corintias.

Empecemos con un poco de su historia. Este estilo nació en Francia mas o menos por entre 1725 y 1775. Este estilo se desarrollo bajo los reinados de Louis XIV y Louis XV. Este estilo es un estilo aristocrático, que revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

Lo importante de este estilo es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Usan bastante las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las piedras marinas, las formas vegetales y las conchas como te había mencionado.

Has visto la película de María Antonieta? Si no la has visto, te recomiendo verla, te va a gustar bastante y podrás ver más sobre este estilo en toda la película. María Antonieta era la reina de Francia, pero la decapitaron en tiempos de Louis XIV, que era el rey sol, también en Francia.

Déjame enseñarte el castillo de Nymphenburg en Francia para que veas mas o menos como decoraban ellos.

Ni te vas a imaginar cómo es de adentro.

 A ellos les encantaba contrastar el exterior con el interior, por eso afuera se ve tan normal pero cuando entras no sabes ni a donde ver. 

Ahora deja que te muestre algunos muebles.

Fauteuil Cabriolet

Bergere

Y te dejo el vídeo de siempre.

Las Meninas

Esta vez te quiero hablar del cuadro de Diego Velázquez “Las Meninas”, pero empezare por contarte antes quien es Diego Velázquez, dale sentate.

Fíjate que Diego Velázquez fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Lo que caracterizo sus obras fue que utilizó la perspectiva aérea, la profundidad y la falta de un boceto inicial. Te imaginas pintando sin tener un boceto de base? Yo no, me diera miedo y de seguro me quedara mal.

Vaya hoy si, como ya sabes quien fue Diego Velázquez, te voy a contar de este cuadro que el pintó. Pero antes, ¿Sabes que es una menina? No, tranquilo, no hace falta que lo investigues, yo te voy a contar, “meninas” es el nombre que se les daba a las personas que venían de la nobleza a servir al palacio, específicamente a acompañar a los niños reales.

Vaya, ahora sí, ya estás listo para que te cuente de este cuadro. Empezare contándote que fue una pintura al óleo que medía 318 cm x 276 cm aproximadamente. Este cuadro, que tiene tantas interpretaciones, tiene como marco espacial la habitación más importante del apartamento del palacio Real que era en el que vivía Diego. En la pintura aparece Diego frente al caballete pintando, en el fondo de la habitación, un espejo refleja la imagen del rey y de la reina; en el centro aparece la infanta Margarita acompañada por dos doncellas reales, y a la derecha del cuadro, en primer plano, figuran la enana Mari-Bárbola y el enano Nicolás de Pertusato, que intenta despertar con el pie a un mastín tumbado en el suelo. Detrás de este grupo hay dos figuras y finalmente, al lado de la escalera, vemos al mayordomo de la reina.

Esta obra la interpretan de varias formas, unos dicen que la pintura era acerca de Margarita, ya que era su primera vez entrando a la habitación, pero no se ha logrado saber acerca de que era realmente la obra, pero si sabemos que fue la obra más representativa de Velázquez.

Las Meninas, 1656